Humo, lluvia, calles que se despliegan como serpientes, silencios, fantasmas, putas. “Sentir que llevo en mi cuerpo las venas de esta ciudad. Mi corazón galopante, te hará gritar Bogotá”.

La repetición obsesiva de patrónes rítmico-melódicos cortos es algo que desde niño me atrapa del todo. Lo recuerdo desde la introducción de Sweet Child Of Mine de los Guns and Roses hasta más tarde cuando descubrí esta canción. Luego conocí a los minimalistas y me dí cuenta que había gente que compartía el mismo gusto al punto de llevarlo a los extremos formales más obsesivos. Carlos Iván, el compositor de esta canción, me contaba que la influencia de ellos (Steve Reich y Philipp Glass) estaba ahí.

Bogotá también es una especie de loop, menos limpio y brillante, más caótico y disonante.

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En 1992, Anouk Chauvet, una francesa pintora, viaja por primera vez a España. Desde ahí empieza la formación de Color Humano, el primer grupo que le iba a abrir el camino para crear Fufü-Ai. Durante los próximos años, esta francesa ya españolizada, empezó a moverse entre París y Barcelona, dedicando sus días a la pintura y a la música. Con la ayuda de Tomasín Arroyos, empieza a formar Fufü-Ai, y finalmente en el 2006 graba su primer álbum: Petite Fleur. Álbum con el que me enamoré de la banda.

Actualmente Fufü-Ai tiene tres trabajos musicales, pero no sé si fue el primer impacto de haber estado una noche cualquiera, en un bar sin nombre de Buenos Aires, en el que durante toda la noche sonó Petite Fleur; que ninguno de los trabajos posteriores ha llegado a atraparme de la forma en la que estas nueve canciones lo hicieron. Esa noche no dejaba de repetir “La música está súper buena, tenemos que volver a este lugar” y sin dudarlo, le pedí a una mesera que me anotara en un papelito lo que estaba sonando. Una de las cosas más bonitas de Fufü-Ai, además de la voz sensual, suave y única de Anouk, de la combinación de sonidos entre canciones afrancesadas y el aire del mediterráneo; es poder percibir el español, el inglés, y el francés en un solo estallido.

Y sobre lo que significa Fufü-Ai, Anouk confiesa que una vez estaba leyendo un libro muy bonito en el que encontró múltiples formas de decir “Te quiero” en idiomas desconocidos, les pareció gracioso y decidieron que así se iba a llamar el grupo: Fufü-Ai.

Fufü-Ai – Cha Cha

Fufü-Ai – Puntitos

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Foto por Federico Ruiz

Tengo los ojos cerrados, estoy en movimiento dejándome llevar por la música. Es un ritmo marcado por un sintetizador que sale de alguna grabadora. Lo sé porque alcanzo a distinguir el hizzz del casete. Me muevo durante un tiempo indefinido, sonrío porque me gusta la sensación. Oigo algunas voces, pero no me importan, estoy concentrado en la música. Cuando abro finalmente los ojos la música ha dejado de sonar y ahí estoy al frente de mis compañeros de séptimo u octavo, no me acuerdo con certeza. Ellos se ríen. Se ríen del gordito que se movió como un desquisiado durante tres, cuatro o cinco minutos. Se ríen del gordito que está sudando y eufórico. Saco el casete de la grabadora y voy a sentarme con el resto esperando qué hará el siguiente de la lista.

Esa fue mi primera experiencia pública con Estados Alterados, un grupo que conocí gracias a mi hermano mayor y sus casetes. Ese mismo año le regalé a mi hermano el LP de Cuarto acto. Creo que nunca lo escuchó. Sus gustos ya habían cambiado. Después de Cuarto acto me compré Rojo sobre rojo y finalmente esculcando alguna tarde de domingo en los estantes de tower records encontré la redición del primer disco, el mismo disco donde esta muévete la canción que bailé en el colegio. De esos trabajos el que más bailé fue el Estados Alterados, el original, el disco donde está Muévete, La culpa, Opulencia, El velo, Prototipos y De mi mano sólo por nombrar algunos que recuerdo ahora.

Pero los que más me gustaron fueron los LPs, Cuarto acto y Rojo sobre rojo. De Cuarto acto, Infecto es mi preferida, pero también recuerdo Trance, Ingenua, Me partirás en dos, Sacúdete ahora y Los secretos del dolos. De Rojo Sobre Rojo, la canción que le da título al disco, tal vez porque sigo acordándome del vídeo que me gustaba tanto como el video de Fiebre de marzo y Paraíso. Las canciones lentas siempre han estado marcadas por el sintetizador de Tato Lopera casi arrastrándose, desgarrado con la melodía lo que canta Elvis. En las lentas es donde menos he sentido cambio. La base se me hace mas uniforme a través del tiempo, en cambio con los temas movidos se siente una evolución, desde el reconocidisimo Muévete con sus toques New Wave hasta la Fiebre de marzo con sus devaneos con las trompetas negras.

Recientemente volvieron a la escena con Romances científicos y como abre-bocas re lanzaron la canción y el vídeo de Muévete. A mí me gustó bastante, lo identifico como  los Estados Alterados de siempre, aunque extraño a la vez la exploración que los caracterizó en sus últimos discos. Por eso así sea con música del 91 o del 2010, sólo hay que cerrar los ojos y moverse.

Saludo de Estados Alterados para Modernois

Muevete 1991 Nada 1994 Fiebre de Marzo 1996 Muevete 2010

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El Suiche es un proyecto originalmente ideado por el desaparecido Colectivo Joystick, con el propósito de promover propuestas musicales en Medellín. Consiste en generar espacios para mostrar las diferentes propuestas musicales de la ciudad, con buen sonido y en un espacio cómodo y apropiado. Siendo un proyecto de periodicidad mensual, se ha convertido en una ventana importante para los artistas locales.

El MAMM (Museo de Arte Moderno de Medellín) se vinculó desde hace algún tiempo al suiche, poniendo el espacio de su sede antigua en el barrio Carlos E. Restrepo. Con la apertura de la nueva sede en la Ciudad del Río, ahora cuenta con un amplio espacio al aire libre. Cada presentación se transmite en vivo por internet y queda guardada en el sitio web para consultas posteriores.

Tuve la oportunidad de ver a GladKazuka y Max en la última entrega del año.

GladKazuka

Este es el proyecto en solitario de Gregorio Gómez, también conocido por su bada “panorama”. Música electrónica bastante rica en matices, que va llevando al público de la mano desde un estado de tranquilidad a la euforia total. En la música electrónica se corre siempre el riesgo de caer en los lugares comunes del blip y el tic, pero Gregorio da muestra de su basta experiencia compositiva e instrumental, construyendo piezas con la complejidad justa para que puedan ser apreciadas tanto por el público desprevenido como por el conocedor más crítico. (MySpace)

Max

Max Pérez tiene viene de un largo trasegar por la música. Autodidacta de la guitarra y la batería, participó del movimiento rockero bogotano de los 90s, haciendo parte de las bandas Ramón Badía, Bajo Fianza y Marlohábil. Participó también en bandas como Estados Alterados y Calle Silvestre y finalmente en el 2006 sacó su primer disco “Chasing the white pony”, con el que logró figuración local. A partir de este momento empezó a interesarse más por las posibilidades de la música electrónica y se inventó a Gino Vendetta, su alter ego en la escena de las fiestas de Medellín, con una propuesta influenciada por el house, electro e italo disco.

Ahora lanza su nuevo proyecto “Riot“, que lo devuelve a los micrófonos, donde muchos de sus fans lo reclamaban. Este proyecto es una carga poderosísima de electro funk, que en vivo se presenta acompañado de Andrés Moore en los teclados y Fonso Posada en la batería. Una propuesta de pop definitivamente interesante dentro del homogeneo panorama del género. (MySpace)

Todas las fotos

Fotos: © Juan Felipe Rubio

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Con la tristeza viene algo de incomodidad. Algo de sentir una inmensidad en la melancolía, que el cuerpo sencillamente no puede contener. La tristeza se desborda, le da tres vueltas a la cabeza, paraliza los miembros del cuerpo, frunce el ceño y llena los pensamientos con monstruos grandes y peludos, con fantasmas que atormentan y que hacen que no dejemos de pensar en aquello que nos inquieta, que nos habita, que nos pone triste. La bilis negra.

Algo así pasa con la música de St. Vincent, un maremagnum de incomodidad, de extrañeza que no se deja precisar y que hace que escribir sobre ella sea bastante difícil.

Su nombre: Anne Erin Clark. Su stage name: St. Vincent. Sí, San Vicente. Un seudónimo que no solo apela al inquietante imaginario religioso católico, sino que tiene un referente claro: el Saint Vincent Catholic Medical Center, el hospital en donde murió el poeta Dylan Thomas en 1953. Cuando se le pregunta ella no duda en responder: “Es es lugar en donde la poesía muere. Esa soy yo”.

Su historia: Nació en Dallas, tiene 26 años, toca varios instrumentos (lo que hace que en todas sus reseñas aparezca el fastidioso adjetivo de multi instrumentalist, como si se tratara de un one girl -o mejor, one saint- band), compone todas sus canciones, intentó estudiar en Berklee pero se retiró, hizo parte del Polyphonic Spree, abrió el tour de Sufjan Stevens, ha compartido cuartos de hotel con My Brightest Diamond y créditos en canciones con Bon Iver. Siente una fuerte atracción hacia las cosas inquietantes, que dan miedo, que incomodan y así son sus canciones. Suenan como la banda sonora de algo que no está del todo bien.

Para hacer su segundo disco, Actor (2009), Clark declaró que se había inspirado en sus películas favoritas. Que en el proceso creativo pensaba como sería si ella hubiera hecho la música original de Blanca Nieves, de Stardust Memories (también conocida como Memorias de un seductor, de Woody Allen) o de Badlands (de 1973, protagonizada por Martin Sheen sobre dos adolescentes asesinos que protagonizan un cuento de hadas sociopático).

Y sí, sus canciones tienen esa atmósfera extraña que sólo se logra orquestando en la cabeza la música que le iría bien a Blanca Nieves si decidiera transformar el bosque en la célebre cafetería de Pulp Fiction. La dulzura de los instrumentos de viento, acompañada del dramatismo de las cuerdas, de unos beats electrónicos que recuerdan a Massive Attack y una guitarra eléctrica que irrumpe en la mitad de todo esto y que comienza a dar alaridos.

Marchas de guerra que combinan elaborados arreglos, sonidos pop y voces corales que cantan pequeñas historias de desesperación, de Playboys encontradas debajo de la cama de un novio adolescente, de extraños que son Capricornio, de deseos que ni siquiera diecisiete duchas frías podrían sacar del cuerpo, de tristeza desbordada y de dramatismo exacerbado que se matiza con la dulce voz de St. Vincent, con su macabro sentido del humor, con su extrañeza y con su manera tan particular de no entrar en el molde.

Una de sus canciones se llama “Laughing with a mouth full of blood” y eso es exactamente lo que ella hace con su música. Se ríe con la boca llena de sangre, después de una noche horrorosa de peleas, de dar vuelcos en la cama y no dormir, de matar la poesía. Se ríe de todo eso como si no le importara ni cinco que su música encarnara un poco mi tristeza.

St. Vincent – Marrow

St. Vincent – The Strangers


St. Vincent – The Bed

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Detrás de Andrés Correa había unas luces blancas, pequeñas, titilando.

Salió a tocar solo, con la guitarra. Cantó una canción sobre dos personas que viven en los cerros de Bogotá. Cantó otra sobre un cangrejo caminando hacia atrás. Cantó canciones de amor: recuerdo una que me hizo pensar en una pareja despidiéndose bajo la luz de la tarde en el parque de los periodistas, sobre una banca verde, entre las palomas. Cantó con esa voz suya, tan rota, tan sincera, tan extraña. Sentí que de la música se desprendía arena, que hablaba por momentos de una desolación profunda, que sus letras tenían que ver con Bogotá.

Ayer pensé todo el día en los Huracanes. Pensé en un viento fuertísimo levantando polvo del desierto. Pensé en que todavía se escriben canciones de amor porque pocas cosas en la vida resultan tan reales, pocas cosas se lo llevan a uno con tanta violencia. No hay objeto en rendirse, en plantearse a uno mismo como alguien más fuerte, en escapar de la conciencia tan impresionante que te brinda el amor sobre tu propio cuerpo y tu propio tiempo. Quizás una manera sensata de hablar del tema es permitirte a ti mismo conversarlo a través de una canción. Cuando la razón no funciona y las decisiones no sirven, solo queda el ámbito de los sonidos y de las palabras puestas en desorden para poder expresar algo que, paradójicamente, si puede llegar a tener significado.

Andrés Correa cantaba sobre pies de plomo y momentos difíciles. A veces, cuando más rotos nos sentimos por dentro, su música puede hacernos sentir menos como seres extraños. Algo así fue lo que pensé al escucharlo en ese escenario pequeño, rodeado de seres en silencio, que observaban inmersos en si mísmos la música sincera y real del cantautor bogotano.

Las Sesiones Mínimas de Barrio Colombia en el teatro R101 son un espacio donde se mostrará a diferentes músicos acercándose al momento más íntimo de la producción musical de un artista. Con guitarra y voz escucharemos las canciones desnudas de artilugios, hablándonos desde cerca. Para más información sobre los eventos, visiten www.barriocolombia.org.

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Con la esperanza de que me despidan, le he confesado varias veces a los editores de Modernois que la música no es lo mío y por tanto no tengo nada serio que decir al respecto. No es lo mío porque no me interesa como otras cosas. La música no es algo a lo que le dedique tiempo. Es, más bien, algo que me pasa. Con la música siempre me estrello en accidentes sangrientos que me mutilan o me crean nuevos grados de libertad en articulaciones que yo creía completamente agotadas. Y es como en esos accidentes de película grabados desde adentro del carro: de la cotidianidad diaria a la violencia brusca del golpe que transforma el espacio; una camioneta verde a toda velocidad salida de Dios sabe dónde, no importa, que simplemente no puede frenar, me lleva con ella y me arranca los dientes. Y lo peor es que yo me dejo llevar. No opongo mayor resistencia. La música no me interesa, pero cuando me toca, me transforma. Casi nunca entiendo la naturaleza de esos choques. Casi nunca sé explicar por qué una canción me lleva y otra no. Diría que es la letra pero usualmente me toma mucho tiempo entender la letra de las canciones. Es fácil dejarse llevar por la música. Muchas veces, incluso, es la música misma, más allá de la letra, la que conmueve. O eso parece. En ocasiones es necesario oirlas muchas veces antes de poder entender por qué siempre fue importante. Y entonces, armada de nuevo valor, es imposible dejar de oirla. Tal vez ese es el fenómeno más misterioso de todos: ¿por qué nos afecta tanto la música? ¿por qué se siente a veces tan a dentro? ¿por qué cada cierto tiempo encontramos una canción que quisiéramos repetir infinitas veces? ¿por qué, en fin, ciertos loops nos emocionan o reconfortan?

Me gustaría proponer en esta entrada una teología del loop. No lo voy a hacer, no tengo cómo, pero les daré una idea de lo que sería. Para empezar propondría el paralelismo obvio entre loop y mantra y luego lo destrozaría: el mantra sirve para escapar, el loop para congelar el tiempo y no dejarlo pasar, para reforzar el presente. El mantra sirve para liberarse y el loop para anclarse. Hablaría del efecto emocional del loop: mientras en las oraciones decimos lo que desearíamos, en los loops le pedimos a alguien más que nos diga la verdad mejor de lo que jamás podríamos hacer nosotros mismos. El loop no es un ejercicio de contacto con la divinidad. No queremos hablarle a la divinidad sino albergarla, que nos bata el cerebro y nos reitere tantas veces como pueda por qué nuestra vida es como es o por qué no es cómo debería ser. Hay loops felices y loops tristes. Hay loops que se inician inadvertídamente, colándose entre cada tres o cuatro canciones, y de repente se toman los días. Hay loops que sirven para cerrar cosas y otros que impiden que se acaben nunca. Hay loops que me recuerdan quién soy y dónde estoy.

Hace poco tomé un avión donde repetí una canción más de treinta veces. Eso me dice mi iPod, al menos. Me dormía oyendo la canción y me despertaba y la canción seguía ahí. Es una canción que le oí cantar a una amiga. Hasta hace poco no sabía qué decía. Ahora creo que lo entiendo mejor. No sé bien para qué me sirve pero no se va. Es una canción buena. Me parece una canción feliz aunque en realidad es terriblemente triste. Me parece feliz porque me acuerda de días felices. La letra no importa un comino. Esta entrada, lo admito, es un intento fallido de justificarme y explicar por qué sigo oyéndola sin parar.

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Hay que hablar también de los dos teloneros. Bat for lashes, con una propuesta arriesgada para el público capitalino, pero que fue muy bien recibida por los que aún no la conocían. Excelente también la puesta en escena.

Y por último, pero no menos importante, el regreso a las canchas de la legendaria banda de rock electrónico Estados Alterados, con sus tres miembros originales, más cuatro reconocidos músicos invitados. Contrario a lo que siempre pasa con los teloneros, el público pedía más volúmen, cosa que obviamente no sucedió. Sin embargo los paisas lo dieron todo en el escenario y quedaron muy agradecidos por el recibimiento de la gente. Tocaron varios clásicos y dos canciones del álbum que están próximos a lanzar: Romances Científicos. Enhorabuena.

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Siempre quise escribir sobre Flotation Toy Warning pero lo aplacé por mucho tiempo, esperando que hubiera un disco nuevo y que eso fuera una excusa para escribir y contar acerca de la novedad, del lanzamiento, de la gira. Pero no pasa: Flotation Toy Warning, sin haberse separado y siendo todavía una banda, no reaparece formalmente. Existe (y subsiste) desde 2001 habiendo grabado apenas un disco completo y dos EPs sin mayor trascendencia.

Pero se entiende. “Bluffer’s Guide To The Flight Deck“, disco del 2005, es un compendio de sonidos emocionalmente agotadores para el que escucha y con seguridad una tortura para quien pasó meses detrás, inventándolo y produciéndolo. La atmósfera se construye canción por canción, con sonidos experimentales y voces tristes, incluso lúgubres. Nada en esta música es demasiado moderno sino que parece intentar todo lo contrario. Los parlantes se llenan con bases hechas de órganos destemplados y sonidos producidos artesanalmente, mucho hiss, voces pálidas y coros fantasmagóricos.

Flotation Toy Warning asegura estar conformado por expedicionarios de los mares del norte allá por los años 1700 y probablemente haya algo de cierto ahí. Sólo eso explicaría la desolación y el frío que produce escuchar el disco y la calma densa que se siente en el transcurrir de cada una de esas canciones que huelen a retratos polvorientos colgados en alguna casa abandonada.

Flotation Toy Warning – Happy 13

Flotation Toy Warning – Popstar Researching Oblivion

Flotation Toy Warning – Donald Pleasance

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Algunas de las imágenes que están grabadas en mi cabeza y que seguro me saldrán en el flashback ese que da antes esos de morirse son tres videos que pasaban por un canal francés llamado MCM: Down by water de Pj Harvey, Emerge de Fisherspooner y J’ai Demandé à La Lune de Indochine. A este último nunca le puse mucha atención, a pesar de lo pasaran muchas veces al día. En ese entonces (2002) Napster no estaba a mi alcance y preferí pedir de cumpleaños Stories from the City, Stories from the Sea…y hasta The Cure.

El año pasado gracias a un amigo me interesé de verdad por Indochine. Bajé la discografía, viaje a Perú, supe que Indochine fue a Lima en el 88 y que realizaron conciertos para más de 50mil personas, que en el colegio a un amigo le ponían “3e Sexe” para que aprendiera francés, y otro montón de historias inconexas que no me dejan claro la llegada de esa banda a ese país y menos al público hispanoparlante. También supe que acaban de sacar disco y que vuelven a hacer uno de sus conciertos gloriosos en París el próximo junio 25. Las boletas ya se agotaron y ya no fuimos.

Indochine es una banda de ya casi 30 años, con más de 10 discos publicados y yo me di cuenta muy tarde de que existían. No por ello puedo dejar de ponerle play a todas sus canciones por más de 5000 veces al día, en especial a uno de sus primeros y emblemáticos discos: el “3” de 1985. Todas las canciones de este disco pueden llevarlo al deleite con mucho éxito, no es sólo novedoso, sino fresco y extremadamente divertido. No en vano fueron una de las mejores bandas de los ochenta (década en la que ya había gente que combinaba sonidos orientales y sintetizadores sin robo alguno). Por esto y más, no dudo en recomendarlo. Afortunado sea el que lo escucha y tararee sus canciones eufóricamente en francés como yo (así apenas sepa pronunciar oui).

Indochine – J’ai Demandé à La Lune

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